Depuis sa découverte de la psychanalyse à 19 ans, l’auteure se passionne pour les séances d’analyse, qu’elle qualifie de voyages. Elle évoque ici, à partir de sa propre expérience, le travail de la parole, la question du désir de l’autre mais aussi celle du transfert et le retrait du psychanalyste qui met un terme à la thérapie pour des raisons de santé défaillante.
Une évocation de l’allégresse, un tremblement léger et grave à la fois qui demeure quand tout vacille. De Mozart à Picasso, en passant par Kafka, Charlot, Colette ou l’humour juif, les auteurs proposent un cheminement le long de ce fil invisible qui traverse les existences humaines. Les œuvres picturales de G. Lévy prolongent et amplifient cette invitation au voyage.
Mercredi 11 février 2026 à 19h
Une exploration de la vie et de l’œuvre de l’artiste japonais expatrié à Paris dans les années 1930 qui a contribué au début de la prospérité du surréalisme international. S’appuyant sur de nouvelles archives, l’auteur propose une perspective inédite sur ce peintre et sculpteur au coeur des réseaux d’avant-garde du XXe siècle.
Rencontre d’un poète et d’un artiste. C’est de cette rencontre que naît le projet de réaliser un livre d’artiste ou de bibliophilie. Certains livres contiennent des œuvres originales, souvent des inédits, tirés à très peu d’exemplaires, sur un beau-papier, numérotés et signés par le poète et l’artiste. Tschann et les éditions SIGNUM vous accueilleront le […]
Un beau livre consacré à la face intime de Renaud, chanteur révolté, acteur, observateur critique de l’actualité, poète engagé qui sait capter les humeurs de son époque et raconter les soubresauts de la société française et de son histoire.
L’un et l’autre s’asseyaient régulièrement dans le même restaurant, sans se connaître. Leurs regards se sont croisés, puis les mots et les traits se sont répondus. De cette rencontre est né un échange à deux voix. Thierry traduit les émotions avec des poèmes. Claude trace l’invisible avec des dessins. Leurs univers se complètent, s’interpellent et se questionnent. Chaque poème ouvre un espace que le dessin éclaire.
Guggenheim Museum et MoMA à New York, Musée national d’Art moderne de Paris, Fondation Miró de Barcelone, Museo Reina Sofia de Madrid… Spécialisée dans l’art du XXe siècle, Margit Rowell est passée par ces établissements pour des périodes variables, à titre de conservatrice ou de commissaire d’exposition. Entre 1970 et 2005, elle a organisé une quarantaine de manifestations, soit monographiques (Miró, Dubuffet, Mondrian, Brancusi, Kupka…), soit thématiques (« The Planar Dimension », « L’art de l’avant-garde russe », « Qu’est-ce que la sculpture moderne ? »…), qui ont marqué leur temps. Mais en quoi au juste consiste le savoir-faire du conservateur ? Qu’est-ce qui caractérise cette profession charnière entre artistes, collectionneurs, galeries et public ?
À ces questions, l’autrice répond par l’exemple, dans un texte qui tient le milieu entre mémoires et collection d’études de cas. Museum Life est le récit vivant, à la fois subjectif et pondéré, d’un parcours qui ne prétend pas à l’exemplarité mais peut être considéré comme paradigmatique. Car l’expérience du conservateur d’art, nous dit Margit Rowell, est précisément au croisement de l’institutionnel et de l’informel : la connaissance systématique de l’œuvre sert de point de départ à une intuition nouvelle, l’approche muséale débouche sur des rencontres humaines, et un même espace, le musée, doit être réinventé à chaque exposition.
Naissance d’un projet d’exposition ; immersion systématique dans l’œuvre et dans les sources ; déplacements incessants pour se confronter aux œuvres, rencontrer les collectionneurs, les galeristes, les artistes et leurs proches ; émergence et affinement d’une nouvelle compréhension du sujet ; constitution du corpus, demandes et négociations de prêts, politiques d’achat ; accrochage et conception du catalogue ; ouverture au public ; réception de l’exposition, suites personnelles et professionnelles : en relatant sa carrière, l’autrice nous fait vivre chacun de ces moments stratégiques, toujours semblables et toujours différents dans la mesure où ils la placent face à des expériences artistiques singulières et à une multiplicité d’individus. Ce qui frappe dans ce livre, dont nombre de chapitres tournent pourtant autour d’un objectif unique (l’organisation d’une exposition), c’est la variété des épisodes rapportés, leur caractère haut en couleur. À mille lieues d’une existence confinée au white cube, le métier de conservateur nous apparaît non seulement comme une réinvention perpétuelle du regard, mais bien aussi comme un travail de terrain.
Manifestation du désir de montrer la trace qu’a laissée sur soi le passage du temps – les blessures et les joies qu’il a causées ou réveillées – mais aussi d’éclairer le passage de soi dans le temps en se tenant aux aguets du don imprévisible du présent : voilà le chemin ouvert de livre en livre par les poèmes de Pascal Riou. Il rejoint ainsi la durée, l’usure qui l’accompagne, et la transmission – ce qui passe dans, par et à travers le temps -, tout autant que ce saisissement mystérieux qui nous fait par moment pressentir le pouls des jours comme une fidélité, comme une promesse renouvelée, un consentement redonné.
Une biographie artistique de Calder, un journal endeuillé et amoureux, un essai critique, une chorégraphie où se mêlent la grande Histoire et l’anecdote, l’intime et la cosmologie, et aussi bien une rêverie sur les jeux de la mémoire et de l’oubli, un récit à deux voix entretissé de choix esthétiques, décisions politiques, réflexions féministes et croquis historiques, ce Pas de deux mêle allègrement toutes ces couleurs dans une danse où Calder et sa femme Louisa constituent un couple qui traverse l’histoire des années 20 jusqu’aux années 70 et au-delà, après la mort de l’artiste, quand sa femme commence sa correspondance fictive.
Au travers de l’approche de l’esthétique comparée, cet ouvrage vise à dégager la puissance philosophique et spirituelle de l’art en donnant des outils cherchant à distinguer les discours essentiels de ceux qui le desservent.
L’ouvrage réunit trois parties. La première présente la méthode et la visée de l’« esthétique comparée » en la distinguant des autres types de discours prenant les oeuvres d’art pour objet. Il vise à rendre sensible un large public à des outils de discernement permettant de différencier les discours superfétatoires, voire toxiques, sur les oeuvres d’art des discours portant une véritable fécondité.
Cette approche de l’esthétique comparée comme manière de rendre l’expérience des oeuvres d’arts féconde dans l’existence s’approfondit dans une investigation sur le lien existant entre la naissance de l’image en perspective et celle de la catégorie moderne d’art. Cette réflexion, née d’une investigation sur la naissance de la perspective, souhaite expliciter la profondeur métaphysique et spirituelle de cette révolution de la modernité intervenue à la fin du Moyen Âge. En découvrant que la notion moderne « d’art » naît avec cette révolution, c’est aussi toute la puissance de l’image moderne, et son sens philosophique, qui est précisé. Ces deux premières approches, qui constituent en creux une tentative de définition de la notion d’art, conduisent dans une troisième partie à un dernier approfondissement consistant à explorer la relation entre l’art et la spiritualité chrétienne, en revenant sur l’importance de situer la modernité de cette catégorie, « l’art », comme sécularisation d’anciennes pratiques cultuelles.
Qui n’a jamais rêvé de « savoir » ce qu’étaient les dieux ? Ou du moins d’approcher le mystère de leur existence ? Il n’est pas interdit de penser que cela est possible. Pour pousser la porte de la grande salle des mystères, il importe de se défaire simplement de notre attachement à ces croyances qui, en nous parlant du dieu, nous en interdisent l’accès. Il y a tout d’abord le mot, puis les significations que nous lui accordons. Jamais ou si rarement nous ne pensons à revenir à la source à laquelle tout ce qui pris le nom de Dieu s’est formé.
De l’Iliade aux Évangiles, mais en empruntant des chemins de traverse inattendus, c’est un voyage que ce livre propose. Un voyage qui permettra de prendre la mesure du déni dans lequel nous sommes vis-à-vis non tant de ce que signifie croire, mais de ce que cela implique. Il ouvre des portes sur des zones peu fréquentées, celles de pratiques religieuses échappant pour partie à quelque orthodoxie que ce soit, celles des Anasténaria en Grèce, celles des mystiques, celles qui peuplent les romans de science-fiction, comme celles qu’analyse la neurobiologiste Jill Bolte Taylor. Il nous révèle quelques secrets de notre fonctionnement cérébral et psychique en particulier en explicitant ce qu’étaient les dieux grecs à l’aune de l’ouvrage de Julian Jaynes. Il nous propulse enfin à travers oeuvres littéraires, (Homère, Chrétien de Troyes, Fitzgerald, Philip K.Dick, Kluge), théologiques (Boèce, Saint-Anselme) ou philosophiques (Platon, Nietzsche) jusqu’au seuil de l’expérience la plus connue dans nos contrées, celle qu’a vécue le christ, à travers une relecture inédite des quatre évangiles canoniques.
L’artiste:
Joël Leick, auteur & artiste visuel, est photographe, collagiste, graveur et peintre. Il a réalisé de nombreux livres d’artiste et de dialogue avec des poètes et écrivains essentiels de notre époque : Pierre Bergounioux, Michel Butor, Philippe Claudel, Guy Goffette, Henri Meschonnic, Bernard Noël, James Sacré, Dominique Sampiero, Salah Stétié… Ses poèmes et journaux sont publiés aux éditions Fata Morgana, Dumerchez et Al Manar, avec qui il travaille depuis de longues années.
Le livre:
Vous ne savez pas renoncer au motif, n’est-ce pas ? En attendant le jour, vous allez coudre vos lèvres ? Les fourmis dans les bras comme on dit à la campagne vers Hayange, Nilvange, Florange ou Hettange-Grande… Il y a aussi les paysages urbains : des petits yeux logés là où il faut et qui en disent long comme des glaçons jetés dans le caniveau. Aucune promesse dans ces paysages traversés, rien. Et mon journal sans date, sans date fixe, comme un tableau sans nom d’auteur.
J.L.
